Многие начинающие (и не очень) музыканты в самом начале подготовки к студийной записи спрашивают: "Как будем записываться — с метрономом или без?" В 99,99% случаев на такой вопрос дOлжно дать положительный ответ. Почему?

Чаще всего в нашей практике (запись альбомов "современной" музыки) приходится сталкиваться с так называемым "роком" или стилистически сходными вариантами поп-музыки. Очевидно что подобная музыка даже в варианте самого оголтелого отечественного говнорока нуждается в чёткой ритмической организации. В противном случае это как минимум перестает быть роком... Но не это главное.

Музыканты испытывают вполне понятный страх перед метрономом и игрой вместе с ним. Это происходит из-за неправильного понимания роли метронома в процессе создания музыкальной композиции. Обычно он воспринимается как некоторый эталон ритмичности исполнения. От этого возникает боязнь излишней механистичности результата. Как большинство человеческих фобий, эта — есть порождение незнания истинной природы музицирования как такового. Однако сейчас мы не будем касаться столь глубокого и важного вопроса — едва ли в рамках коротких заметок можно его полностью осветить...

Для начала стоит подчеркнуть, что абсолютному большинству музыкантов, "подражающих" метроному никакая монотонность не светит. Ведь для того чтобы "попадать" в метроном не иногда (нечаянно), а стабильно и управляемо необходимо много заниматься и вырабатывать у себя определённые исполнительские навыки. Это ОЧЕНЬ тяжелый труд с не всегда очевидным результатом. Разумеется, рано или поздно каждому практикующему нинзя придется встать на эту тропу и сделать хотя бы несколько шагов — пока не убьют... Шутка!

Однако мы можем с уверенностью сообщить страждущим, что в игре тех музыкантов, которые прошли по пути "занятий метрономом" даже относительно далеко, нет и НЕ МОЖЕТ БЫТЬ никаких следов тупой механистичности. Скорее наоборот — обычно появляется заметная свобода выразительности и реальные исполнительские возможности правильно ими воспользоваться. В том нет никакого парадокса. Многие вещи становятся очевидными только если ты сам их почувствуешь. Осознавая это, прошу просто поверить мне на слово...

Возвращаясь к организации процесса студийной записи музыки, стоит ещё раз подчеркнуть: играть стоит только под метроном. Во-первых, клик (click) (и только он!) в состоянии указать правильный и постоянный темп произведения. И тем самым сообщить музыкантам реальные размеры длительностей. Переоценить важность выбора правильного темпа практически невозможно. Один знакомый композитор и аранжировщик подбирает темп произведения на слух, оперируя при этом сотыми (иногда даже тысячными) долями bpm — количества ударов (четвертей или восьмых) в минуту. Разумеется, такая разница на слух практически неуловима: никто не сможет сказать произошли ли изменения именно темпа и в какую сторону при таких манипуляциях! Но ощущение (тонкое) от произведения действительно меняется. Проверено на себе!

Идеальный вариант подготовки к записи — использование на репетициях калиброванного метронома. То есть некоторого стабильного ритмического эталона. Таким эталоном может быть любая современная драм-машина или компьютер. Только таким образом правильный темп произведения можно найти задолго до появления на студии, опираясь на ощущения музыкантов и как следует "выграть" собственные партии.

Этот момент в первом приближении кажется несущественным, но многолетний опыт показывает обратное. Сколько раз приходилось видеть, как музыканты, оказавшись в новых для себя условиях, начинали запись в ускоренном темпе! Затем они не могли нормально исполнить свои уже заученные партии, а переписать все в "правильном" темпе с самого начала (включая барабаны) банально не позволял бюджет. Страшно подумать сколько песен и даже альбомов могли бы быть гораздо лучше только из-за такой "ерунды"!

Бывают ещё такие "экстремальные" варианты, когда музыканты (чаще "руководители" коллектива) пытаются избежать печальной участи сравнения с метрономом. Обычно это происходит под девизом "мы вместе сыграем одновременно всю основу, а после только наложим вокал и инструментальное соло". Не скрою: часто пришлось идти на поводу таких клиентов. (Вообще аспекты взаимоотношений музыкантов и студийных звукорежиссёров — еще та песня! Несомненно это станет темой для отдельной заметки.) Ни к чему хорошему подобные эксперименты ни разу не приводили.

События обычно развиваются по такому сценарию. Сначала ты долго коммутируешь всех присутствующих в студии: необходимо не только подключить на запись (и организовать прослушивание!) барабанной установки (обычно при записи "рока" это 8-12 микрофонов/каналов), но и обеспечить запись басиста, гитариста (нередко двух), иногда клавишника и почти наверняка ещё и "чернового" вокала. При этом не стоит забывать о максимально качественном (в большинстве студий это проблема!) мониторинге для всех участников записи, включая звукорежиссера и удобном расположении музыкантов в студии. Вообще это тот случай, когда знаменитая басня Крылова (помните школьные годы — "а вы как ни садитесь..."?) имеет мало связей с действительностью.

Затем музыканты начинают музицировать и привыкать к новому для себя звучанию. Возгласы типа "ты чего играешь: я не слышал этого на репетиции?!" — обычное дело. Потом начинаются споры о темпе — от метронома же отказались! После этого почему-то начинаются корректировки партий на ходу: "я здесь сыграю так, а ты этак — потом эту часть наложим отдельно". Заметьте: на все это тратится дорогостоящее студийное время — прошло уже несколько часов, все уже устали (стресс всё-таки!) и проголодались... А ЕЩЕ НИЧЕГО НЕ ЗАПИСАНО! В этот момент многие делают перерыв ("надо подкрепиться перед записью") и, немного успокоившись и набив животы чем попало, вместо того, чтобы дружно прилечь поспать полчасика, берут в руки музыкальные инструменты и начинают играть...

Далее выясняется, что ритм-гитарист не может одновременно ритмично "по-студийному" играть и петь этот черновой вокал, который просто необходим барабанщику для того, чтобы ориентироваться в форме произведения. А басист почему-то решил не напрягаться и не играть каких-то "сложных" пассажей, надеясь записать их наложением потом и тем самым помешал клавишнику, который в своей партии опирался именно на эти фразы... Одним словом, барабаны уже записаны "нормально" и теперь все равно надо все остальное переписывать! То есть делать поканальную запись наложением. Но барабаны "кривые" (помните, что метронома нет?) и невозможно попасть ни в один стоп-тайм и/или ритмический акцент. Поэтому записываемся до тех пор, пока каждый нечаянно попадет в неизвестно какую "долю". Время (деньги) потрачено, а результат заметно хуже того: что "получается обычно на концерте или репетиции". Как говорят мериканцы — "Упс!"...

Некоторые молодые коллеги в тот момент, когда я им рассказывал об этом испытывали настоящую "радость узнавания", смеялись и даже повизгивали от восторга. Тоже мне — нашли источник положительных эмоций! Грустно это. Особенно нестерпимо, когда ты уже знаешь что будет именно так. О особенно — когда позже оказывается, что в плохом исполнении музыкального материала "виноват звукорежиссер, который не обеспечил хороших условий и вообще плохо записал наш гениальный альбом". Стоит ли говорить о том, что в моей практике таких случаев было достаточно? Даже с избытком для того, чтобы однозначно и недвусмысленно на все вопросы отвечать "ТОЛЬКО ПОД МЕТРОНОМ!!!" И никак иначе.

Вадим dess Сергеев

---